Renaissance-Musik-Essay

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Renaissance-Musik-Essay




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1. Wie entwickelte sich die westliche Polyphonie in ihren frühesten Entwicklungsstadien, und was waren die Merkmale der wichtigsten polyphonen Gattungen des neunten bis dreizehnten Jahrhunderts? (oben)

Die westliche Polyphonie findet ihre Wurzeln in zwei frühen kompositorischen Stilen: Organum und Conductus.

Diese beiden Genres begannen mit der Erweiterung bestehender Kompositionen. Dieser Prozess des Hinzufügens zu bestehenden Gesängen wurde als tropen bezeichnet.

Als diese "tropfenden" Komponisten fortsetzten, verschönerten sie Gesangsmelodien, indem sie Text, Melismen und schließlich zusätzliche Stimmen und Stimmen hinzufügten.

In den frühen Beispielen von organum purum hält die untere Stimme, oder Tenor, lange anhaltende Noten gegen eine floridere, sich bewegende obere Stimme. Wenn zwei Stimmen in konstanten Intervallen Note gegen Note sangen, wurde dies Discant Style genannt.

Die höchste Anzahl an Organum-Kompositionen stammt aus der Kathedrale von Paris, Notre Dame. Leonin stellte einen großen Organumzyklus zusammen, der Magnus liber organi genannt wird.

Im Conductus singen zwei oder mehr Stimmen den gleichen Text im wesentlichen im gleichen Rhythmus. Das auffälligste Merkmal des Conductus war, dass der Tenor neu komponiert war und nicht auf einer Gesangs-Melodie beruhte. Die wichtigsten technischen Fortschritte dieser Jahre waren die Definition des modalen rhythmischen Systems und die Erfindung einer neuen Art von Notation für gemessenen Rhythmus, die Komponisten mehr Kontrolle über die Aufführungspraxis erlaubte.

Diese frühe Form der polyphonen Komposition wurde bis weit in den späten 13. Jh. Fortgesetzt. und entwickelte sich zu dem, was als Motette bekannt wurde.

2. Besprechen Sie in einem Aufsatz mit drei kurzen Absätzen, was im 14. Jahrhundert in Frankreich (Ars Nova) und Italien (Trecento) und im England des frühen 15. Jahrhunderts "neu" war.(oben)

Viele Änderungen in der musikalischen Komposition fanden während des vierzehnten und frühen fünfzehnten Jahrhunderts statt.

Viele der Veränderungen wurden durch ein neues Interesse an weltlicher Musik und auch an sakraler Musik hervorgerufen. Im Gegensatz zu der Musik des dreizehnten Jahrhunderts, wo die Musik stabiler, strukturierter und einheitlicher war, brachte das vierzehnte Jahrhundert viel Veränderung, Einfallsreichtum und musikalische Erfindung.

Das Wachstum der Städte und politischen Strukturen in ganz Europa brachte dem Bürgertum und dem Niedergang der Aristokratie mehr Macht. Mit den politischen Veränderungen, die stattfanden, wurden auch die Künste immer populärer und populärer. Literatur, Bildung und Kunst bewegten sich weg von der Beschränkung religiöser Strukturen auf eine humanistischere Weltanschauung.

Dies war eine allmähliche Veränderung, die sich über viele Jahre hinzog, aber unmissverständlich half, die musikalischen Entdeckungen des gesamten vierzehnten Jahrhunderts zu gestalten.

Komponisten des vierzehnten Jahrhunderts erlebten eine große rhythmische Freiheit mit der Akzeptanz von zweifachen Rhythmen, die von Philippe de Vitry entwickelt wurden.

Die harmonische Struktur änderte sich ebenfalls, als Passagen von Terzen und Sexten entstanden. Zuvor waren die meisten Intervalle perfekt Viertel, Quinten und Oktaven Die Pythagoräischen Intervalle. Musica ficta half dabei, Kadenzpunkte interessanter zu machen und melodische Linien waren flexibler und expansiver. Auch der Stimmumfang der Kompositionen begann sich nach oben zu bewegen.

In Frankreich war die Motette das primäre kompositorische Genre und entwickelte sich zu einem weniger liturgischen und mehr säkularen Idiom. Einige der neuen Gattungen, die in dieser Zeit entstanden, waren Caccia, Madrigal, Rondeau und Ballata.

Isorhythm und Lieder mit Refrains wurden auch durch kompositorische Praxis populär. Die Musik Italiens wurde als Trecento-Polyphonie bezeichnet. Französische Musik der ersten Hälfte des vierzehnten Jahrhunderts wurde als Ars Nova bezeichnet.

Im frühen fünfzehnten Jahrhundert hatten Italien und Frankreich begonnen, verschiedene musikalische Stile zu entwickeln. Im Laufe des fünfzehnten Jahrhunderts bewegen wir uns weiter zu einem internationalen Stil der musikalischen Entwicklung.





Die erste Sammlung englischer Kompositionen aus dem frühen 15. Jahrhundert befindet sich in der Old Hall-Handschrift. John Dunstable war der wichtigste englische Komponist in der ersten Hälfte dieses neuen Jahrhunderts. Er ist auch dafür verantwortlich, den englischen Stil der Komposition nach Frankreich zu bringen.

Am wichtigsten von Dunstables Kompositionen sind seine dreiteiligen geistlichen Lieder. Dies waren Vertonungen von Antiphonen, Hymnen und anderen liturgischen Bibeltexten. Das Lied, ursprünglich ein monophones Tanzlied, entwickelte sich in England zu zwei- und dreiteiligen Vertonungen religiöser Gedichte in einem populären Stil. Das Lied bestand aus vielen Versen, die alle zur selben Musik gesungen wurden. Die Weihnachtslieder bestanden in der Regel aus eckigen Melodien in einem lebhaften, dreifach rhythmischen Muster und waren deutlich englischer Natur.

England spielte eine zentrale Rolle in der fortschreitenden Entwicklung der westlichen Polyphonie als Übergang in das Zeitalter der Renaissance.

3. Wie unterscheidet sich der musikalische Stil von Du Fay von dem von Josquin?

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Im späten fünfzehnten und sechzehnten Jahrhundert entstand ein neuer musikalischer Stil, in dem sich Harmonien auf volle Triaden konzentrierten und das Setzen des Textes zu einem wichtigen Anliegen der Komponisten wurde. Guillaume Dufay (1400-1474) und Josquin des Prez (1440-1521) sind zwei der wichtigsten Figuren in der Entwicklung der westlichen Polyphonie in dieser aufregenden Zeit.

Dufay wird gemeinhin mit dem burgundischen Hof in Verbindung gebracht und während dieser Zeit waren vier Haupttypen von Kompositionen prominent: Messen, Magnificats, Motetten und die weltlichen Chansons mit französischen Texten.

Zu Beginn der burgundischen Zeit gab es keinen unverwechselbaren sakralen Stil der Musikkomposition, sowohl die Messe als auch die Motette wurden im Chanson-Stil komponiert.Im Gegenteil, während Josquins Zeit entwickelte sich ein fester und konsequenterer heiliger Stil.

In der Motette und Masse verwendete Dufay eine frei komponierte melodische Höhen-Stimme, die von einem Tenor und Kontratenor in einer dreistimmigen Textur unterstützt wurde. Das Diskant könnte neu komponiert sein, aber oft war es eine Verschönerungsversion des Chants. Die Gesangsmelodie war immer wieder zu erkennen. Ähnliche Regeln galten für Dufays Hymnen.

Die Höhen enthalten die Gesangsmelodie und in der Fauxbourdon-Tradition wurden die zwei äußeren Stimmen niedergeschrieben, während die mittlere Stimme improvisierte, um die Harmonie auszufüllen.

Dies war keine Praxis von Prez. Die geradzahligen Strophen wurden polyphon gesungen und die anderen wurden als Gesang vorgetragen. Gelegentlich schrieb Dufay isorhythmische Motetten für feierliche öffentliche Zeremonien.

Für Josquin des Prez wurde die Motette zu einem aufregenden neuen Genre für musikalische Erkundung und Experimente. Weil der Ordinarius strukturiert war und die Liturgie formell mit unveränderlichen Texten war, ließ er wenig Spielraum für solche Experimente.

Einer der markantesten Unterschiede in der Musik von Dufay und Josquin ist, dass Josquin, anstatt die Messe auf eine einzelne Stimme aus Chanson oder einer einzigen Melodie zu gründen, alle seine Stimmen der Komposition, Fantasie und Ausdruckskraft unterwirft.

Obwohl thematisch einige Ähnlichkeiten in den fünf verschiedenen Bewegungen der Messe bestanden, hatte sich Dufays Form noch nicht zur zyklischen Cantus-firmus-Masse entwickelt, in der in allen Sätzen eine einzige Gesangsmelodie auftaucht.

Es war auch für Josquin von wachsender Bedeutung, dass die Bedeutung der Texte klar war. Dies war keine wesentliche Eigenschaft in der Musik von Dufay. Josquin begann auch, Motive und fugale Nachahmung zu verwenden, in denen jeder Textphrase ein musikalisches Thema zugeordnet wird, das dann von jeder der Stimmen aufgegriffen wird.

Dies war keine bekannte Praxis während der dreiteiligen Schreibphase von Dufay. Auch für Dufay waren alle Teile nicht gleich.





Die Gesangsmelodie ist immer in der Stimmstruktur zu finden.

In seinen Motetten enthielt Josquin häufig Abschnitte von homophoner vierteiliger Schrift, in der Wurzel-Triaden Psalmtöne der Rezitation, Magnificats und Klagelieder harmonisieren. Diese Technik wurde als Falsobordon bekannt. Im Gegensatz zu der von Dufay verwendeten Fauxbourdon-Technik, die üblicherweise bei Kirchenliedern angewendet wird, wurde der Gesang von Sechsteln und Terzen begleitet, die sich bei Kadenzen zu Oktaven und Quinten erweiterten.

Josquins Technik erlaubte es, den Text hörbarer und verständlicher zu machen. Dies wurde eine der wichtigsten Qualitäten der Musik von Josquin, als er später in seine Karriere wechselte.





Er würde jede mögliche Ressource nutzen, um der Botschaft des Textes eine klare Bedeutung zu geben. Dies wirkte sich natürlich auch auf die Zeitgenossen von Josquin aus.

Eine andere auffallende Qualität der Musik dieser beiden bedeutenden Komponisten war die Verwendung von Konsonanz und Dissonanz.

Dufay war eher konservativ in der Verwendung von Dissonanz und löste immer schnell und zwischen Beats Spannung auf.

Josquin hingegen hatte keine Angst davor, bei starken Beats Dissonanzen zu verwenden und an Stellen, wo es für den Zuhörer sichtbarer war.

Natürlich gibt es viele Unterschiede in der Musik dieser beiden wichtigen Komponisten, aber was zu sehen ist, ist die evolutionäre Entwicklung der Musik und ihrer vielen

Formen. Dufay ebnete in vielerlei Hinsicht den Weg für künftige Komponisten, die in der musikalischen Komposition mehr Phantasie und Einfallsreichtum einsetzen.

4. Verfolgen Sie die Übertragung des neuen Renaissancestils von seinen Anfängen in England Anfang des 15. Jahrhunderts bis zu seiner Rückkehr in dieses Land am Ende des 16. Jahrhunderts. Diskutieren Sie wichtige Komponisten, Genres, Stilmerkmale und Theoretiker und geben Sie repräsentative Titel, um Ihre allgemeinen Punkte zu veranschaulichen.

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Der Begriff Renaissance beschreibt die Zeit der europäischen Geschichte ab dem frühen 15. Jahrhundertth bis zum späten 16th Jahrhundert, ist vom französischen Wort für Wiedergeburt abgeleitet und bezog sich ursprünglich auf die Wiederbelebung der Werte und künstlerischen Stile der klassischen Antike während dieser Zeit, insbesondere in Italien.

Die Renaissance war durch den Aufstieg säkularer und humanistischer Werte gekennzeichnet.

Die Renaissancemusik wurde vom spätmittelalterlichen Stil durch größere melodische und rhythmische Integration, größere Reichweite und Textur und harmonische Struktur unterschieden. Nach 1500 entwickelte dieser Stil ausgeprägte vokale und instrumentale Idiome, und die Vokalmusik wurde unter dem Einfluss des Humanismus zunehmend dem Ausdruck von Texten und ihrer Bedeutung gewidmet.

Dies wurde von solchen franko-flämischen Komponisten wie Clemens, Senfl und Willaert bewirkt, die alle besonderen Wert auf die Bedeutung von Text legten. Bembo (1470-1547), ein angesehener Dichter und Kritiker, war weitgehend verantwortlich für das erhöhte Interesse an der Betonung des Textes und seiner Beziehung zur Musik.

Bembo entdeckt die verschiedenen Qualitäten und Laute bestimmter Vokale und Konsonanten, besonders in der Poesie Petrarcas (1304-1374).

Er bezeichnete diese Eigenschaften als Piace Volleza oder Süße und Gravita oder Schweregrad, der sich auf die unterschiedlichen Laute von Wörtern bezieht. Dies wurde besonders wichtig und nützlich in Madrigalen, wo Komponisten begannen, Wortmalerei als Ausdrucksmittel für Text zu verwenden.

Mit der zunehmenden kompositorischen Aktivität während der Renaissance kam das Bedürfnis nach Musikern, Noten zu haben, aus denen man spielen und singen konnte.

Die erste Sammlung polyphoner Musik, die vollständig aus beweglichen Lettern gedruckt wurde, wurde 1501 von Ottaviano Petrucci in Venedig veröffentlicht.

Die frühe Renaissance wurde von Josquin des Prez geführt. Sein Einfluss war von entscheidender Bedeutung für die Entwicklung der westlichen Musik.Er wurde von Zeitgenossen seiner Zeit als "der beste Komponist unserer Zeit und Meister der Noten" gefeiert.

Zu seinen Lebzeiten komponierte Josquin etwa achtzehn Messen, 100 Motetten und siebzig Chansons. Seine Messen waren konservativer - die meisten sind Cantus firmi, aber die Parodie auf Ockeghems Chanson Malheur mich Fledermaus ist wichtig. Parodie Masse war die vorherrschende Form von 1540. Andere wichtige Komponisten dieser frühen Periode sind Ockeghem, Obrecht und Isaac.

Die wichtigsten Genres der frühen Renaissance waren die zyklische Messe und die Motette.





Andere säkulare Genres entwickelten sich jedoch und Instrumentalmusik wurde von den Formen und Stilen der Vokalmusik aus dieser Zeit befreit. Das Chanson, das sich von den Formfixierungen löste, wurde in neue, durch Nachahmung erweiterte Formen gegossen. Es wurden auch neue strukturelle Konzepte entwickelt, hauptsächlich überlappende fugale oder imitative Abschnitte, die gelegentlich durch homophone Bereiche abgelöst wurden. Auch Komponisten begannen häufiger die Intervalle von Terzen und Terzen zu verwenden.

Das Schaffen von Triaden war häufiger und die Tonalität bewegte sich in Richtung groß und klein und weg von der Modalität. Diese neuen kompositorischen Trends würden künftigen Komponisten größere Flexibilität, mehr Freiheit bei der Erkundung und mehr Möglichkeiten zur Kommunikation mit ihren Zuhörern auf menschlicher Ebene ermöglichen.

In der Mitte und in den späteren Jahren der Renaissance beeinflussten viele neue und interessante Musikstile die Musik internationaler Komponisten.

Franco-flämische Komponisten ließen sich in ganz Westeuropa nieder und gleichzeitig entwickelte jedes Land eigene einzigartige Stile. In Italien sehen wir die Entwicklung solcher Gattungen wie die Frottola, die Lauda und das bedeutende italienische Madrigal, das von Komponisten wie Cara, Verdelot, Bembo, Willaert, Vicentino und Gesualdo geführt wird.

In Frankreich haben wir die Entwicklung des Pariser Chanson von Sermisy, Janequin und Lasso. Und in England haben wir eine Fülle wichtiger Madrigale von Moorly, Weelkes und Wilbye komponiert. Englische Lautensongs, Solosongs für Stimme und Laute wurden von John Dowland und Thomas Campion komponiert. Wegen der Verfügbarkeit von gedruckten und einem erhöhten Interesse an weltlicher und geistlicher Musik wurde die Verbreitung musikalischer Ideen schnell interkontinental.

Komponisten aus verschiedenen Regionen und Ländern teilten ihre musikalischen Ideen und hatten großen Einfluss aufeinander.

Die letzte Blüte der Renaissancemusik ereignete sich während eines kurzen goldenen Zeitalters der englischen Musik von etwa 1570 bis 1640.

Die englischen Komponisten und Interpreten dieser Zeit waren in ganz Europa berühmt. Nach der Reformation, die mein Martin Luther in Deutschland führte, kam es zu einer Wiederbelebung der geistlichen Komposition.

Die führenden Komponisten in England in dieser Zeit waren Tallis, Taverner und der große William Byrd.

Byrd half dabei, einen der schönsten Aspekte der anglikanischen Kirche zu entwickeln Guter Service. Er war auch primär in der Entwicklung der englischen Hymne, die der lateinischen Motette äquivalent war. Byrd blieb jedoch katholisch und schaffte trotz politischer Opposition weiterhin viel Musik für die katholische Kirche.

Was den kompositorischen Stil sowohl in England als auch in anderen Ländern betrifft, so gibt es noch ein paar andere wichtige Dinge, die man beachten sollte. Erstens, das Schreiben für kontrapunktische Stimmenpartien, in denen alle Teile die gleiche Bedeutung haben, war eine allgemeine Regel und es ist diese Textur, die mehr als jedes andere Merkmal die Musik der Renaissance charakterisiert. Zweitens war der sorgfältige Gebrauch von Konsonanz, Dissonanz und der vermehrte Einsatz von Triaden und tonaler Harmonie.

Schließlich die sorgfältige Auswahl und Einstellung von Text. Es war äußerst wichtig, dass der Text verstanden wurde und dass die Bedeutung des Textes durch die Musik vermittelt wurde.

 

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